32-ESPARTACO

SINOPSIS

La revuelta de los esclavos liderada por Espartaco contra las tropas romanas es el escenario de esta superproducción que, como suele suceder en este tipo de películas, estuvo jalonada de incidentes durante su rodaje. Lo estuvo tanto, que Stanley Kubrick, su director, decidió a partir de esta experiencia no volver a colocarse detrás de la cámara sin la garantía definitiva de tener el control absoluto de cuanto sucediera en su cine delante y detrás de las pantallas. De hecho, Kubrick llegó a la dirección de esta película una vez que el productor, Kirk Douglas, pusiera de patitas en la calle a Anthony Mann, quien sólo trabajó en el rodaje durante una semana: las secuencias de las minas de sal son al parecer las únicas que fueron rodadas por este realizador. Kubrick se dedicó durante 167 días a tratar de salvar los muebles, es decir, lo que quedaba de película después de que hasta Peter Ustinov se convirtiera en guionista por un día: a Charles Laughton no le gustaba su diálogo y exigió que se cambiara ipso facto, para desesperación inmediata y absoluta de Kubrick, quien en cierto modo siempre renegó de los resultados finales de esta película. Por lo demás, lo que queda de “Espartaco”, que recientemente fue objeto de restauración, es un buen título de eso que conocemos como cine histórico, en el que no faltan veladas (para otros, evidentes) alusiones a la homosexualidad de algunos de los personajes, ni escenas espectaculares memorables, como la batalla con la que concluye el último tramo de la película. “Espartaco” figura ya en la historia del cine como un título conflictivo, desigual pero atractivo, en el que por encima de todo sobresale el trabajo y la implicación personal de Kirk Douglas como productor, protagonista y verdadero artífice del conjunto final. Y hay que recordar que fue el propio Kirk Douglas quien integró en el equipo de la película a varios profesionales que desde los tiempos de la caza de brujas del senador McCarthy no habían podido trabajar en condiciones normales en la industria del cine. Entre ellos, el genial e inolvidable Dalton Trumbo.

TCM

31-LA DAMA DE SHANGHAI

USA – 1947 – 84 min.
Calificación: 7
Thriller
Director: Orson Welles
Intérpretes: Rita Hayworth, Orson Welles, Everett Sloane, Glenn Anders

SINOPSIS

Un trotamundos de origen irlandés llamado Michael O’Hara (Orson Welles), que ha luchado en la guerra civil española y que vive ahora de forma más apacible, es contratado para conducir un lujoso yate en un viaje de placer por el mar Caribe organizado por un prestigioso abogado criminalista (Everett Sloane) y su bella mujer (Rita Hayworth).

Elementos como el amor, la intriga o el suspense concurren en esta película de cine negro desplegados en una difícil y compleja trama, ensalzada por la brillante capacidad visual de Welles, que comprende todo ese lujoso barroquismo característico de su autor, la habilidad en la puesta en la escena y el montaje, en la utilización del sonido (a pesar de la perjudicial intervención de Harry Cohn) y la manera de crear una turbia atmósfera mediante la adecuada tensiónestablecida entre la imagen fotografiada soberbiamente por Charles Lawton Jr. y los diálogos escritor por el propio Welles, que marcan un nuevo y sobresaliente título, obra de un hombre clave para el devenir del cine mundial.

Excelentes interpretaciones de todos los protagonistas, entre los que se incluye una rubia Rita Hayworth, a la que su marido por aquella época (si bien ya estaban a punto de la separación) cortó y tiñó el cabello pelirrojo que tan radiantemente había lucido en una famosa película anterior, “Gilda”.

Inolvidables también muchas escenas, entre las que destaca el juego de personalidades lleno de simbología llevado a cabo en la Sala de los Espejos, homenajeado con posterioridad por Woody Allen en “Misterioso asesinato en Manhattan”.

Orson Welles presentó con este título una película de audaz y brillante ejecución, planteada en una época que estilísticamente le quedaba ya muy antigua. Por esa razón sus compatriotas contemporáneos no supieron apreciarle, provocando en consecuencia un largo peregrinaje del escritor y realizador por tierras europeas en busca de financiación para sus próximos proyectos.

sipnosis por el criticón

30-DE AQUI A LA ENTERNIDAD

USA – 1953 – 114 min.
Calificación: 7
Drama
Director: Fred Zinnemann
Intérpretes: Burt Lancaster, Montgomery Clift, Deborah Kerr, Frank Sinatra, Donna Reed, Ernest Borgnine, Jack Warden, Philip Ober

SINOPSIS

Es difícil creer que en la década de los 50 una novela con sexo explícito, homosexualidad, prostitución, y sobretodo una dura crítica al ejército pudiera ser adaptada al cine, triunfar en taquilla y ganar nada menos que 8 Oscars. Sí, pasó por el rotulador de la censura, pero la apuesta de la Columbia por sacar adelante el proyecto resulta, cuanto menos, atrevido y admirable.

Una novela escandalosa como punto de partida y una ejecución que quitó contenido “delicado” del texto original. “De aquí a la eternidad” fue una de las películas en las que intervino de una manera más activa el todopoderoso Harry Cohn, de Columbia, quien tuvo con el director Fred Zinnemann durante la preparación y rodaje de la película algo más que un rifirrafe. Sin ir más lejos, en la parte artística se encargó de rebajar al máximo las situaciones de alto contenido erótico que sugería y apuntaba la novela, llegando a imponer a la fría y moderada Deborah Kerr como actriz protagonista en un personaje (originalmente una prostituta, en la película una azafata) que bien hubiera merecido ser representado por otra de, digamos, mayor voltaje sexual. Zinnemann apostó fuerte por Montgomery Clift (quizá en la más sólida de las actuaciones de su corta pero intensa vida profesional) contra la voluntad del productor. Cohn, quien había adquirido los derechos de la novela de James Jones por 82.000 dólares, se sintió con atribuciones para literalmente rehacer una historia ambientada en un sórdido ambiente militar, en Pearl Harbor, en el que no faltan ni atisbos de homosexualidad reprimida ni inconfesables adulterios. Por encima de cualquier otra consideración, “De aquí a la eternidad” es una magnífica película con alicientes interesantes, especialmente el de poder ver y disfrutar juntos a Montgomery Clift, Frank Sinatra, Burt Lancaster, Donna Reed y Deborah Kerr. Zinnemann, meticuloso, bordeó la censura, pero no pudo contra la irracionalidad de Cohn, uno de los productores más caprichosos y temidos en Hollywood desde que el cine rompió a hablar.

El soldado Prewitt (Montgomery Clift), recién asignado a Hawaii, es un antiguo boxeador al que manejan tanto sus superiores como sus propios compañeros. El capitán Holmes (Philip Ober), conocedor de sus habilidades como boxeador, intenta que se una al equipo del ejército, pero Prewitt no quiere. Su amigo Maggio (Frank Sinatra) intenta ayudarle, pero también debe ocuparse de sus propios problemas. Mientras tanto, el sargento Milton Warden (Burt Lancaster) y la mujer de Holmes, Karen Holmes (Deborah Kerr), pisan terreno peligroso al vivir una historia de amor ilícita. Pero las vidas de todos cambiarán cuando en ellas se cruce el ataque japonés sobre Pearl Harbor.

29-MALAS TIERRAS

USA – 1974 – 90 min.
Calificación: 18
Drama
Director: Terrence Malick
Intérpretes: Martin Sheen, Sissy Spacek, Warren Oates, Ramon Bieri, Alan Vint, Gary Littlejohn, John Carter

SINOPSIS

Terrence Malick es un director atípico, singular, un hombre aparentemente integrado en la industria tradicional pero que trabaja en clave de realizador independiente. “Malas tierras” fue uno de sus primeros trabajos, a los que siguieron interesantes títulos como “Días del cielo” y “La delgada línea roja”. En “Malas tierras” es un thriller psicológico basado en hechos reales, en la peripecia de una pareja de novios en fuga a través de las llamadas badlands del estado de Montana tras el asesinato del padre de ella por parte de él. En su permanente huida irán dejando, como sucedía en películas como la sensacional “Gun Crazy”, de Joseph Lewis, un reguero de sangre en su camino. Malick se limita a poner en imágenes la historia vivida por Charles Starkweather y Caril-Ann Fugate allá por 1958: no emite juicios, evita moralina al espectador y se permite incluso bromas visuales que resultan de agradecer: hay momentos en “Malas tierras” en los que la ambientación y la fotografía obran el milagro de hacer creer que estamos viendo en realidad otro tipo de película, algo así como una salvaje y asesina mirada a un mundo, el mundo real, en el que debajo de cada piedra y cada rastrojo anida la violencia.

28-EL PUENTE SOBRE EL RIO KWAI

UK, USA – 1957 – 161 min.
Bélico
Director: David Lean
Intérpretes: William Holden, Jack Hawkins, Alec Guinness, Sessue Hayakawa, James Donald

SINOPSIS

Basada en un libro de Pierre Boullé sobre la construcción de un puente en Tailandia durante la Segunda Guerra Mundial. Con esta película el director británico David Lean consigue el segundo Oscar concedido por la academia a un director no norteamericano.

La historia transcurre en Siam por el año 1943. Cientos de prisioneros de guerra británicos están trabajando en el llamado “Ferrocarril de la muerte”, cuando tiene lugar una discusión entre el coronel japonés Saito y el británico Nicholson, que no está dispuesto a que sus oficiales construyan un puente sobre el río Kwai.

Pero el cruel trato que reciben por parte de Saito les obliga a aceptar. Desde ese momento, este asunto se convierte en una obsesión y una cuestión de amor propio para Nicholson. Mientras tanto, el Estado Mayor Británico da la orden a un comando especial para que vuele el puente.

27-LA JAURIA HUMANA

USA – 1966 – 128 min.
Director: Arthur Penn
Intérpretes: Marlon Brando, Jane Fonda, Robert Redford, E. G. Marshall, Angie Dickinson

SINOPSIS

La Jauría humana es uno de los títulos fundamentales para entender el cine de los 60. Al frente del proyecto estuvo nada menos que Arthur Penn, el más aventajado de los directores de la llamada generación de la televisión, quien con pulso firme y un sólido conocimiento de los dispositivos estructurales que hacen posible la ficción cinematográfica, refleja la cara oculta de una pequeña población tejana en la que se cuece un mundo de envidias, odios latentes y venganzas inminentes.

En el empeño, ayudaron a Penn nada menos que Marlon Brando, en el mejor momento de su fructífera carrera y en pleno estado de gracia; un más que prometedor Robert Redford, de pinitos en lo que después sería una incontestable carrera, Robert Duvall, ya casi entonces consolidado como uno de los actores de reparto claves del cine americano, y una siempre asombrosa Jane Fonda, la mujer que en los 60 tomó el testigo de las más grandes actrices de Hollywood como Lauren Bacall y Bette Davis.

La jauría humana es un drama único, pura tensión dramática y verdadera hemorragia de pasiones. Es una de esas películas para guardar siempre en el mejor lugar de la videoteca personal de cada uno.

La película es una verdadera suma de talentos, desde el equipo artístico, en el que sobresalen Marlon Brando, Robert Redford, en uno de sus primeros papeles de importancia, Jane Fonda, Robert Dubai y Angie Dickinson, hasta el técnico, donde destaca en el guión Lillian Hellman, una de las guionistas incluidas en las listas negras de la “caza de brujas” del senador McCarthy, y Arthur Penn en la dirección. El rodaje fue más que accidentado y estuvo lleno de enfrentamientos personales.

26-NINOTCHKA

25-GRUPO SALVAJE

EEUU – 1969 – 145 min.
Director: Sam Peckinpah
Intérpretes: William Holden, Ernest Borgnine

SINOPSIS

Un grupo de nueve veteranos atracadores, encabezado por Pike Bishop, llega a la ciudad de San Rafael, en la frontera de Estados Unidos y México, para robar un banco. Pero unos cazarrecompensas les han tendido una trampa, y no les queda más remedio que huir, camuflándose en un desfile.

Su técnica causa una masacre, pero finalmente consiguen llegar a territorio mexicano, que se encuentra en plena revolución de Pancho Villa. Allí se harán amigos de un personaje sin escrúpulos, el general Mapache.

Al igual que en las tragedias clásicas, Sam Peckinpah, director de esta película, describió a sus personajes como héroes que ya están derrotados antes de vivir su historia.

Pero con ellos logró la que hoy en día es considerada su obra cumbre, famosa también por haber marcado un antes y un después en el western, mostrando su lado más oscuro y sustituyendo a los típicos cowboys por hombres sin esperanza.

Aclamada por la crítica, la cinta logró dos nominaciones al Oscar en 1970 por la música de Jerry Fielding y el guión que elaboró Walon Green junto al propio Peckinpah.

21-A SANGRE FRIA

USA – 1967 – 131 min.
Director: Richard Brooks
Intérpretes: Robert Blake, Scott Wilson, John Forsythe, Paul Stewart, Gerald S. O’Loughlin, Jeff Corey

SINOPSIS

Antes de que Tom Wolfe hiciera acuñar la carta de naturaleza de lo que desde él conocemos como “Nuevo Periodismo”, Truman Capote revolucionó el mundo de la literatura basada en hechos reales con esta documentada novela, aparecida originalmente en forma de relato por entregas en la revista “The New Yorker”. En ella se narraba con todo lujo de detalles un crimen múltiple que sacudió a la sociedad americana de principios de los 60, el sufrido por una familia de granjeros de Kansas en manos de una pareja de ex convictos. Capote, personaje central de la película recientemente estrenada que lleva su nombre y que relata precisamente el proceso de investigación que realizó el provocador escritor, se interesó por estos horrorosos asesinatos desde que tuvo noticia de ellos gracias a los periódicos y dedicó sus esfuerzos a la reconstrucción de los mismos.

Partiendo de la investigación publicada, Richard Brooks se enfrentó a esta adaptación mostrando un enorme respeto al texto original. Optó por el blanco y negro para contar la historia, huyó de artificios estéticos y narrativos y se puso al servicio de una narración que una vez llevada al cine transita del thriller a la “road movie” pasando por el drama tradicional.

“A sangre fría” es, en tanto que la crónica de una investigación, una película poco apasionada, que muestra una clara intención de mostrar los hechos y dejar que sea el propio espectador quien entre en valoraciones sobre aquello que se le cuenta. Este es sin lugar a dudas uno de los mejores thriller dramáticos de todos los tiempos, una película moderna que ha sobrevivido, y por muchos años, a las modas y caprichos de los espectadores.

22-CON LA MUERTE EN LOS TALONES

USA – 1959 – 131 min.
Director: Alfred Hitchcock
Intérpretes: Cary Grant, Eva Marie Saint, James Mason, Jessie Royce Landis, Leo G Carroll, Martin Landau

SINOPSIS

“Con la muerte en los talones” es una de las obras maestras de Alfred Hitchcock, quizá la película del genio del suspense en la que mejor aparecen sus obsesiones y habilidades como director. Y además, en este caso, con un saludable sentido del humor. Un sentido del humor que salpica todos los rincones de la película, empezando por el título, una broma de Hitchcock que ni significa nada ni guarda relación alguna con el film, aunque algunos han querido ver en él un tan cierto como imposible guiño shakespeariano.

En “Con la muerte en los talones” hay tensión dramática y sexual entre los protagonistas, Eve Marie Saint y Cary Grant; equívocos y secuencias delirantes (el motor de la historia es precisamente una equivocación, una confusión de identidades); personajes malvados, propios de universos como el del comic; una trama intrascendente, en la que lo de menos es su entidad y lo de más su condición de excusa para llevar la historia hacia delante…

“Con la muerte en los talones”, dirigida por Hitchcock después de “Vertigo” y antes de “Psicosis”, quiso protagonizarla James Stewart, con quien el director no terminó por llevarse demasiado bien; la Metro Goldwyn Mayer quería a Gregory Peck como protagonista, pero al final se impuso el criterio de Hitch, quien apostó vehemente por Cary Grant, para quien rehizo, a su medida, imagen y semejanza, varias secuencias de la película, que contiene momentos inolvidables como las escenas de la subasta, las Naciones Unidas y el Monte Rushmore.

Ni en la ONU ni en el Rushmore pudo rodar el maestro del suspense, ya que los permisos le fueron denegados y, por ello, ambos escenarios tuvieron que ser recreados en un estudio.

23.COTTON CLUB

USA – 1984 – 124 min.
Director: Francis Ford Coppola
Intérpretes: Richard Gere, Nicolas Cage, Bob Hoskins, Gregory Hines, Diane Lane, Lonette McKee, James Remar

SINOPSIS

“Cotton Club” significa en la carrera de Francis Ford Coppola una nueva inmersión en un género cinematográfico que le apasiona y sobre el que dio sus primeros pasos como director, el musical. Y además fue una película de rodaje difícil… Parece que se ha puesto cada vez más de moda entre la crítica cinematográfica y los comentaristas de televisión hablar más que sobre las películas sobre las circunstancias de producción de éstas (sobre si en ella se ha invertido tanto o cuanto; sobre si tal o cual actor se lió con tal o cual actor o actriz del equipo o sobre si el productor se negó a soltar un dólar más cuando apenas quedaban dos días).

No está mal explicar las circunstancias que concurren en una película cualquiera, pero cuando menos hay que tener presente que lo que importa al espectador, lo que realmente le preocupa, al menos de entrada, es lo que finalmente se ve en el rectángulo mágico del televisor o la pantalla del cine. Valga este preámbulo para recordar que el gran problema que tuvo este híbrido entre el musical y el cine de gángsters clásico fue que sus circunstancias de producción (un rodaje tremendamente largo y conflictivo, con idas, venidas, llegadas y despedidas de profesionales implicados en el proyecto) taparon la película cuando se estrenó, de manera que muy pocos llegaron a ver la película en su estreno con la asepsia necesaria.

Ahora el tiempo ha pasado, aquellas circunstancias parecen superadas y “Cotton Club” empieza a poder ser contemplada como un trabajo correcto de Francis Ford Coppola (que llegó al rodaje no al principio y sí para poner un poco de orden en el caos), ambientado en el legendario club de Harlem que da nombre a la película, con un reparto algo más que magnífico, una música de ensueño (es el propio Richard Gere quien toca la trompeta cuando le corresponde), un asombroso diseño de producción y, entre otras muchas cosas, una historia correctamente narrada y muchos, muchos, momentos de buen cine, que es precisamente algo que si hay alguien sabe hacer, aun en las condiciones más adversas, éste es Francis Ford Coppola. ¿Se puede pedir más?

24-AMARCORD

FR, IT – 1973 – 120 min.
Director: Federico Fellini
Intérpretes: Magall Noell, Bruno Zanin, Puppela Maggio

SINOPSIS

Un hombre se da cuenta de que no puede reconocer a las personas con las que ha vivido durante años, ni siquiera a su mujer y a sus hijos. Para mantener su propia identidad, comienza a buscar un punto de referencia. Emprende un viaje a su propia memoria que le lleva a Borgo, una pequeña ciudad italiana, que en la década de los años treinta vive el fervor del fascismo como el resto del país.

Premiada con el Oscar a la mejor película extranjera, Federico Fellini recuerda en esta película su infancia en Rimini desde el mismo título, que en el dialecto de este lugar significa “me acuerdo”. Pero más allá de la trama costumbrista, se adentra en una dimensión de ironía y esperpento que la ha colocado entre las grandes obras del cine contemporáneo.

Contando cómo vive el joven Titta su adolescencia en una familia de clase media como los Biondi, el cineasta aprovecha para describir a variopintos personajes que acaban resultando de lo más entrañables. La música de Nino Rota es otro de los grandes atractivos de esta aclamada película.

17-TAXI DRIVER

USA – 1976 – 110 min.
Director: Martin Scorsese
Intérpretes: Robert De Niro, Cybill Shepherd, Jodie Foster, Harvey Keitel, Peter Boyle

SINOPSIS

La tragedia de Vietnam late al fondo de esta espléndida película en la que Scorsese indaga en la tragedia íntima de un ex combatiente que, llevado por la decepción, la depresión y una irresoluble soledad, trabaja como taxista en la noche neoyorquina y decide tomarse la justicia por su mano ante un mundo que detesta, odia y en el que se muestra incapaz de vivir.

“Taxi Driver” es una mirada entristecida y airada hacia un país, Estados Unidos, lleno de tantas contradicciones como aristas, un lugar, en especial la ciudad de Nueva York, en el que las vidas transcurren con una sordidez y opacidad que nadie como Scorsese había sido capaz de reflejar en imágenes hasta que se produjo esta inolvidable, cruda, sincera y descarnada película. Hay que destacar en “Taxi Driver” no sólo el trabajo de interpretación, sino también el de casting: Scorsese fue capaz con su elección de activar la carrera de Jodie Foster, de sacar el máximo partido a la a menudo plana Cybill Shepherd y de redescubrir para siempre a los aficionados al siempre fascinante Harvey Keitel. “Taxi Driver” es una obra maestra. Quizá el clásico moderno más inmortal de los últimos tiempos, una película que fue merecidamente galardonada con la Palma de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes.

18-LA LEY DEL SILENCIO

USA – 1954 – 108 min.
Director: Elia Kazan
Intérpretes: Marlon Brando, Karl Malden, Lee J. Cobb, Rod Steiger

SINOPSIS

La vida de los estibadores de los muelles neoyorquinos es controlada por un mafioso llamado Johnny Friendly. Terry Malloy, ex-boxeador a sueldo, que trabaja para él, es testigo y autor indirecto de alguna de sus fechorías. Cuando conoce a Edie Doyle, hemana de una víctima de Friendly, Terry se arrepiente, y comienza a sentirse culpable de la vida que lleva. Ella le presenta al padre Barrie, quien le anima para que acuda a los tribunales y cuente todo lo que sabe…

19-LO QUE EL VIENTO SE LLEVO

USA – 1939 – 212 min.
Director: Victor Fleming/ George Cukor
Intérpretes: Clark Gable, Vivien Leigh, Leslie Howard, Olivia de Havilland, Hattie McDaniel, Thomas Mitchell

SINOPSIS

Georgia, 1861. En la elegante mansión sureña de Tara vive Scarlett O’Hara, la más bella, caprichosa y egoísta joven de la región. Ella suspira por el amor de Ashley, pero él está enamorado y prometido con su prima, la dulce y buena Melanie. Corren todavía tiempos felices en Tara, pero por poco tiempo, la Guerra de Secesión está a punto de estallar. En la última fiesta acontecida antes del comienzo de las hostilidades entre el norte y el sur, Scarlett conoce al simpático y apuesto Rhett Butler, un arrogante y aventurero vividor, que sólo piensa en si mismo y que no tiene ninguna intención de participar en el conflicto. Lo que él desea es hacerse rico y conquistar el corazón de la hermosa Scarlett…

20-UNA NOCHE EN LA OPERA

USA – 1935 – 88 min.
Director: Sam Wood
Intérpretes: Groucho Marx, Harpo Marx, Chico Marx, Margaret Dumont, Siegfried Rumann, Allan Jones

SINOPSIS

Esta obra maestra no sólo de la filmografía de los Hermanos Marx sino de la comedia de todos los tiempos, llegó a las pantallas dos años después de la gran obra de este grupo de comediantes, ese prodigio de la causticidad y el surrealismo aplicado a la vida cotidiana que fue “Sopa de ganso”. Mientras que ésta gozó en su estreno de una repercusión un tanto limitada, “Una noche en la Opera” supuso el verdadero aterrizaje del “marxismo” cinematográfico en el imaginario de los espectadores de cine de todo el mundo.

En su día se publicitó como “la película más divertida de todos los tiempos” y la verdad es que el planteamiento no era del todo exagerado: la película sigue siendo un patrón a seguir por lo que respecta a ocurrencias, ingenios y gags por minuto.

Los tres Marx, Groucho, Chico y Harpo ya sin Zeppo, se encuentran en “Una noche en la Ópera” en lo mejor de su carrera y dan rienda suelta a sus delirios, algunos de los cuales fueron escritos, aunque su participación en el guión nunca ha sido reconocida, por el mismísimo Buster Keaton.

Coral, alocada, desvergonzada e inteligente, “Una noche en la Ópera” contiene una de las secuencias más citadas y parodiadas de la historia del cine: ¿quién no se ha referido alguna vez a una situación de tumulto comparándola con “el camarote de los Hermanos Marx”?… “Una noche en la Ópera” alberga argumentos de sobra para ser considerada como una de las mejores comedias de todos los tiempos.