USA – 1966 – 128 min.
Director: Arthur Penn
Intérpretes: Marlon Brando, Jane Fonda, Robert Redford, E. G. Marshall, Angie Dickinson
SINOPSIS
La Jauría humana es uno de los títulos fundamentales para entender el cine de los 60. Al frente del proyecto estuvo nada menos que Arthur Penn, el más aventajado de los directores de la llamada generación de la televisión, quien con pulso firme y un sólido conocimiento de los dispositivos estructurales que hacen posible la ficción cinematográfica, refleja la cara oculta de una pequeña población tejana en la que se cuece un mundo de envidias, odios latentes y venganzas inminentes.
En el empeño, ayudaron a Penn nada menos que Marlon Brando, en el mejor momento de su fructífera carrera y en pleno estado de gracia; un más que prometedor Robert Redford, de pinitos en lo que después sería una incontestable carrera, Robert Duvall, ya casi entonces consolidado como uno de los actores de reparto claves del cine americano, y una siempre asombrosa Jane Fonda, la mujer que en los 60 tomó el testigo de las más grandes actrices de Hollywood como Lauren Bacall y Bette Davis.
La jauría humana es un drama único, pura tensión dramática y verdadera hemorragia de pasiones. Es una de esas películas para guardar siempre en el mejor lugar de la videoteca personal de cada uno.
La película es una verdadera suma de talentos, desde el equipo artístico, en el que sobresalen Marlon Brando, Robert Redford, en uno de sus primeros papeles de importancia, Jane Fonda, Robert Dubai y Angie Dickinson, hasta el técnico, donde destaca en el guión Lillian Hellman, una de las guionistas incluidas en las listas negras de la “caza de brujas” del senador McCarthy, y Arthur Penn en la dirección. El rodaje fue más que accidentado y estuvo lleno de enfrentamientos personales.
USA – 1939 – 106 min.
Director: Ernst Lubitsch
Intérpretes: Greta Garbo, Melvyn Douglas, Ina Claire
SINOPSIS
A la historia del cine, siempre tan llena de etiquetas y conceptos nunca suficientemente explicados, ha pasado una expresión que aunque popularísima no está del todo resuelta. Nos referimos al llamado “toque Lubitsch”. ¿Qué es el “toque Lubitsch”, ¿de qué se trata?… En “Ninotchka” están algunas de las pistas que permitirán al espectador más avezado reconstruir esta idea. Lubitsch es la finura, la sutileza, la ironía más salvaje pero con envoltorio de sensibilidad. “Toque Lubitsch” es Greta Garbo en esta película convertida en una tan austera como disciplinada agente soviética en misión de servicio que será incapaz de sustraerse a los encantos y tentaciones de la sociedad occidental, atributos todos ellos resumidos y encarnados en la personalidad del atractivo y persuasivo aristócrata al que da vida Melvyn Douglas en esta comedia que pasa por ser casi siete decenios después de haber sido producida como la película que instala el canon del género. Decir que “Ninotchka” sea o no una de las mejores comedias de la historia del cine es responsabilidad de los espectadores. Para quienes hacemos TCM, lo es, pero ustedes tienen la última palabra.
Como decía la publicidad de la época, Greta Garbo era, además de una gran actriz, una actriz capaz de sonreír y provocar la sonrisa de los espectadores, como hace en esta película del siempre genial Ernst Lubitsch, quien propone aquí una seria andanada en clave satírica contra el régimen comunista soviético. El guión fue obra de nada menos que Billy Wilder, Charles Brackett y Walter Reisch.
EEUU – 1969 – 145 min.
Director: Sam Peckinpah
Intérpretes: William Holden, Ernest Borgnine
SINOPSIS
Un grupo de nueve veteranos atracadores, encabezado por Pike Bishop, llega a la ciudad de San Rafael, en la frontera de Estados Unidos y México, para robar un banco. Pero unos cazarrecompensas les han tendido una trampa, y no les queda más remedio que huir, camuflándose en un desfile.
Su técnica causa una masacre, pero finalmente consiguen llegar a territorio mexicano, que se encuentra en plena revolución de Pancho Villa. Allí se harán amigos de un personaje sin escrúpulos, el general Mapache.
Al igual que en las tragedias clásicas, Sam Peckinpah, director de esta película, describió a sus personajes como héroes que ya están derrotados antes de vivir su historia.
Pero con ellos logró la que hoy en día es considerada su obra cumbre, famosa también por haber marcado un antes y un después en el western, mostrando su lado más oscuro y sustituyendo a los típicos cowboys por hombres sin esperanza.
Aclamada por la crítica, la cinta logró dos nominaciones al Oscar en 1970 por la música de Jerry Fielding y el guión que elaboró Walon Green junto al propio Peckinpah.
USA – 1967 – 131 min.
Director: Richard Brooks
Intérpretes: Robert Blake, Scott Wilson, John Forsythe, Paul Stewart, Gerald S. O’Loughlin, Jeff Corey
SINOPSIS
Antes de que Tom Wolfe hiciera acuñar la carta de naturaleza de lo que desde él conocemos como “Nuevo Periodismo”, Truman Capote revolucionó el mundo de la literatura basada en hechos reales con esta documentada novela, aparecida originalmente en forma de relato por entregas en la revista “The New Yorker”. En ella se narraba con todo lujo de detalles un crimen múltiple que sacudió a la sociedad americana de principios de los 60, el sufrido por una familia de granjeros de Kansas en manos de una pareja de ex convictos. Capote, personaje central de la película recientemente estrenada que lleva su nombre y que relata precisamente el proceso de investigación que realizó el provocador escritor, se interesó por estos horrorosos asesinatos desde que tuvo noticia de ellos gracias a los periódicos y dedicó sus esfuerzos a la reconstrucción de los mismos.
Partiendo de la investigación publicada, Richard Brooks se enfrentó a esta adaptación mostrando un enorme respeto al texto original. Optó por el blanco y negro para contar la historia, huyó de artificios estéticos y narrativos y se puso al servicio de una narración que una vez llevada al cine transita del thriller a la “road movie” pasando por el drama tradicional.
“A sangre fría” es, en tanto que la crónica de una investigación, una película poco apasionada, que muestra una clara intención de mostrar los hechos y dejar que sea el propio espectador quien entre en valoraciones sobre aquello que se le cuenta. Este es sin lugar a dudas uno de los mejores thriller dramáticos de todos los tiempos, una película moderna que ha sobrevivido, y por muchos años, a las modas y caprichos de los espectadores.
USA – 1976 – 110 min.
Director: Martin Scorsese
Intérpretes: Robert De Niro, Cybill Shepherd, Jodie Foster, Harvey Keitel, Peter Boyle
SINOPSIS
La tragedia de Vietnam late al fondo de esta espléndida película en la que Scorsese indaga en la tragedia íntima de un ex combatiente que, llevado por la decepción, la depresión y una irresoluble soledad, trabaja como taxista en la noche neoyorquina y decide tomarse la justicia por su mano ante un mundo que detesta, odia y en el que se muestra incapaz de vivir.
“Taxi Driver” es una mirada entristecida y airada hacia un país, Estados Unidos, lleno de tantas contradicciones como aristas, un lugar, en especial la ciudad de Nueva York, en el que las vidas transcurren con una sordidez y opacidad que nadie como Scorsese había sido capaz de reflejar en imágenes hasta que se produjo esta inolvidable, cruda, sincera y descarnada película. Hay que destacar en “Taxi Driver” no sólo el trabajo de interpretación, sino también el de casting: Scorsese fue capaz con su elección de activar la carrera de Jodie Foster, de sacar el máximo partido a la a menudo plana Cybill Shepherd y de redescubrir para siempre a los aficionados al siempre fascinante Harvey Keitel. “Taxi Driver” es una obra maestra. Quizá el clásico moderno más inmortal de los últimos tiempos, una película que fue merecidamente galardonada con la Palma de Oro del Festival Internacional de Cine de Cannes.
